การผสมผสานการเต้นรำและประติมากรรมทำให้เกิดมุมมองใหม่ของศิลปะ


เบรนแดน เฟอร์นันเดส ศิลปินชาวชิคาโกไม่ต้องการให้งานของเขาจัดอยู่ในหมวดใดหมวดหนึ่งอย่างประณีต “คนถามว่า ‘มันเป็นอุปกรณ์ประกอบฉากหรือเปล่า? เป็นรูปแกะสลักหรือไม่? มันเป็นงานศิลปะหรือไม่?’ และฉันก็ชอบ ‘มันคือทั้งหมดนั้น’” เขากล่าวทางโทรศัพท์เมื่อเร็ว ๆ นี้

ตอนนี้เขาได้มุ่งความสนใจมาอย่างยาวนานในการผสมผสานการเต้นรำและประติมากรรมเข้ากับผลงานของ William Edmondson ศิลปินแห่งต้นศตวรรษที่ 20 เฟอร์นันเดสสร้างผลงานที่สะท้อนถึงการฝึกฝนของเอดมันด์สันย้อนหลัง “วิสัยทัศน์ที่ยิ่งใหญ่” ดำเนินการจนถึงวันที่ 10 กันยายนที่ Barnes Foundation ในฟิลาเดลเฟีย

ด้วยการนำเสนอผลงานของ Fernandes Barnes ร่วมกับสถาบันและศิลปินหลายแห่งทั่วโลกที่ผสมผสานสื่อการเต้นรำและประติมากรรมเพื่อตั้งคำถามว่าผู้คนมีปฏิสัมพันธ์กับพิพิธภัณฑ์และทัศนศิลป์อย่างไร ภัณฑารักษ์ของรายการ James Claiborne และ Nancy Ireson หวังว่าผลงานการเต้นรำของ Fernandes ที่สร้างขึ้นเพื่อตอบสนองต่องานแกะสลักหินของ Edmondson จะ “ส่งเสริมมุมมองใหม่ๆ” Ireson กล่าว ผลงาน “Returning to Before” จะแสดงเป็นการแสดงสดอย่างต่อเนื่องในพิพิธภัณฑ์ตั้งแต่วันศุกร์

Claiborne จำได้ว่าได้ยิน Fernandes บรรยายที่ Rutgers University ในปี 2022 ซึ่งเขาได้กล่าวถึงประเด็นที่ “วัตถุกลายเป็นงานศิลปะ และ ณ จุดใดที่พวกมันสามารถสัมผัสได้” ไคลบอร์นเสริมว่าสิ่งนี้กระตุ้นความสนใจของเขาในการที่ “พิพิธภัณฑ์มักจะแยกงานศิลปะและวัตถุที่มีความสำคัญทางจิตวิญญาณและวัฒนธรรมออกจากบริบทเดิม” และช่วยให้เขาเข้าใจโครงการ Barnes

เฟอร์นันเดสกล่าวว่า “การย้อนกลับไปสู่ยุคก่อน” เป็น “เพลงที่มีความยาวหนึ่งชั่วโมง แต่มีบางจังหวะที่นักเต้นกลายเป็นรูปปั้น” พวกเขาหยุดคิดหรือพักผ่อน แต่ยังเลียนแบบตำแหน่งของประติมากรรมของ Edmonson “พวกเขากำลังนั่งสมาธิ” เขากล่าวเสริม “พวกเขากำลังสร้างพื้นที่แห่งความสงบภายในพิพิธภัณฑ์แห่งนี้”

“พิพิธภัณฑ์เป็นพื้นที่ออกแบบท่าเต้น” เฟอร์นันเดสกล่าว พร้อมเสริมว่าการออกแบบท่าเต้นเป็น “กฎชุดหนึ่ง” ที่ผู้คนปฏิบัติตาม ที่พิพิธภัณฑ์วิทนีย์ในปี 2019 เฟอร์นานเดสจัดแสดงผลงาน “Master and Form II” ซึ่งเป็นงานประติมากรรมนั่งร้านสีดำที่ทำเป็นกรงเหล็ก ในการแสดงที่ต้องใช้ความอดทนทางร่างกายอย่างมาก นักเต้นบัลเลต์จะยอมหยุด ปรับสมดุล และกระโดดข้ามส่วนต่างๆ ของโครงสร้าง

“คุณไปพิพิธภัณฑ์ ไม่แตะต้องสิ่งของ ไม่พูดคุย” เขากล่าว ในงานเช่น “Master and Form II” เขากำลัง “เล่นกับมารยาทเหล่านั้นและเปลี่ยนมัน” เขากล่าว

ผลงานของเฟอร์นานเดสมีปฏิสัมพันธ์กับงานประติมากรรมของเอ็ดมันด์สันที่บาร์นส์ ศิลปินชาวอเมริกัน Carrie Mae Weems ได้ใช้การเต้นเพื่อสร้างความหมายใหม่ให้กับงานทัศนศิลป์ที่มีมาอย่างยาวนาน ในวิดีโอชิ้นของเธอในปี 2013 เรื่อง “Holocaust Memorial” วีมส์เคลื่อนไหวอย่างแสดงความเคารพระหว่างเสาของอนุสาวรีย์เบอร์ลิน “อนุสรณ์ถึงชาวยิวที่ถูกสังหารในยุโรป” ปรบมือและแกว่งแขนของเธอ

มีอยู่แล้ว อภิปรายมาก เกี่ยวกับการที่ผู้เยี่ยมชมมีปฏิสัมพันธ์กับอนุสรณ์ซึ่งเปิดในปี 2548 รวมถึงการวิพากษ์วิจารณ์ผู้คนที่เข้าร่วม เซลฟี่ หรือโพสท่าถ่ายรูปอื่นๆ ท่ามกลาง หรือแม้แต่บนตะแกรงของเสา

การเคลื่อนไหวของ Weems ระหว่างสิ่งของในอนุสรณ์สถานซึ่งถูกจับได้จากกล้องเช่นกัน มีจุดประสงค์เพื่อเน้นย้ำถึง “ความรู้สึกร่วมกันของการต่อสู้” ระหว่างชุมชนคนผิวดำและชาวยิว ตามคำกล่าวของศิลปินในการหวนรำลึกถึงผลงานของเธอที่ Barbican Center ในลอนดอน ที่นิทรรศการในเมืองสตุตการ์ต ประเทศเยอรมนี เมื่อปีที่แล้ว Weems ได้จัดแสดงภาพนิ่งจากซีรีส์ “Holocaust Memorial” เป็นครั้งแรก

ก่อนหน้าผลงานชิ้นล่าสุดนี้ Nick Cave ศิลปินชาวอเมริกันได้ใช้เวลาส่วนใหญ่ในอาชีพการงานของเขาในการผสมผสานการเต้นรำและประติมากรรมเข้าด้วยกัน ตั้งแต่ปี 1991 Cave ได้สร้าง “ชุดเสียง” มากกว่า 500 ชิ้น ซึ่งเป็นประติมากรรมที่มีชีวิตชีวาและสวมใส่ได้ ซึ่งจัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ต่างๆ ทั่วโลก เคฟคิดมานานแล้วว่าพิพิธภัณฑ์ต่างๆ แยกงานศิลปะออกจากจุดประสงค์แรกเริ่มได้อย่างไร เขากล่าว

ชุดเสียงยังถูกสวมใส่ในการเต้นรำหลายชิ้นในพื้นที่ศิลปะ โดยการเคลื่อนไหวของนักแสดงในชุดทำให้เกิด “เสียง” สำหรับเคฟ แนวคิดเรื่องประติมากรรมในพิพิธภัณฑ์นั้น “ขึ้นอยู่กับการตีความ” เขากล่าว “งานประติมากรรมเป็นสิ่งที่คุณพบเจอได้อย่างเต็มที่จากทุกด้าน เราเคลื่อนที่ไปรอบ ๆ รูปปั้น เราเข้าและออกจากประติมากรรม ในกรณีของฉัน คนๆ หนึ่งสามารถเป็นผู้สวมใส่ หรือใครก็สามารถจินตนาการถึงประติมากรรมในบริบทของการแสดงได้”

เช่นเดียวกับการทำงานร่วมกันของมูลนิธิ Barnes Foundation ระหว่างการเต้นรำของ Fernandes และประติมากรรมของ Edmondson Ireson กล่าวว่าพิพิธภัณฑ์และหอศิลป์กำลังมองหา “วิธีใหม่ๆ ในการคงความเกี่ยวข้อง”

การเคลื่อนไหวทำให้ผู้คนอยู่ใน “พื้นที่แห่งการครุ่นคิด” ไคลบอร์นกล่าว ซึ่งสามารถเปิดช่องทางใหม่ๆ ในการมีส่วนร่วมกับทัศนศิลป์

เขาเสริมว่า “การเต้นรำกลายเป็นวิธีการที่วัตถุยังคงมีชีวิตใหม่”